Diane Arbus: inicios e influencias.

En esta primera parte veremos los inicios de su carrera y sus principales influencias.

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Diane Nemerov nace en Nueva York en 1923. Su padre era director de merchandising en unos grandes almacenes de moda femenina fundados por su abuelo y en varias ocasiones llevará consigo a toda su familia en sus viajes de negocios por Europa.

Diane y su hermano fueron educados en una escuela de carácter progresista que enfatizaba la enseñanza artística así como el desarrollo psicológico de los niños junto con las materias habituales. Comienza su interés en la pintura y mas adelante estudiará arte en la universidad. También se aficiona a la lectura mostrando mucho interés por la filosofía y la psicología.

Se casa con Allan Arbus en 1941, empleado del departamento de publicidad de los grandes almacenes de su familia. Comienzan a tomar fotografías de moda para catálogos. Diane, ya con Arbus de apellido, accede a clases de fotografía impartidas por Bernice Abbott centradas en técnica y manejo de equipo. Empieza a visitar la galería de Alfred Stieglitz junto con su marido y de vez en cuando le lleva fotos en busca de consejo.

En el 45 nace su hija Doon. El matrimonio empieza a tomarse la fotografía publicitaria más en serio, adquieren equipo más especializado y empiezan a visitar las redacciones de las revistas en busca de trabajo. En el 54 nace su segunda hija Amy.

En el 55 estudia fotografía con Alexey Brodovitch, director artístico de Harper’s Bazaar, quien fue maestro de muchos de los grandes fotógrafos de esa generación. Aunque considera que no aporta mucho a su visión personal. En el 56 deja la fotografía comercial que continúa su marido buscando desarrollar su propio estilo y comienza a estudiar con Lisette Model, quien sería de vital importancia en el desarrollo artístico de Diane. Será su alumna durante 2 años.

 Lisette Model: «Fotografiar con las tripas».

Lisette nació en Viena en 1901 y llega a Nueva York en el 38* comenzando a trabajar como fotógrafa para revistas de moda.  Antes de su llegada a EEUU ya había hecho muchas de las fotografías por las que sería reconocida. A continuación veremos algunos de los temas tratados en su trabajo.

 Diferencia entre clases sociales:

Gente durmiendo en lugares públicos:

Gente con sobrepeso:

La noche:

Aquí están presentes muchas de las característica que mas tarde se reproducirían en el trabajo de Arbus:

  • Gusto por personajes cuyo aspecto no es común.
  • Flash. Aunque solo de noche o en interiores siendo un recurso más técnico que estético a diferencia de Arbus. Eso no significa que Lisette no sacase provecho de la estética que esa luz ofrecía, significa que no lo usaba a menos que hubiese una necesidad técnica para ello.
  • Aproximación  al sujeto. Aunque en el caso de Lisette no hay contacto emocional ni implicación, cosa que si encontramos en Arbus.  Encontrar el sujeto adecuado es la parte más difícil e importante del acto fotográfico, a veces requiere varias visitas e investigación. Interés en personas al margen de la sociedad.

Otro destacado alumno de Lisette fue Larry Fink, quien continúa trabajando en un estilo más fiel a las enseñanzas de Model.

 

Aunque en su trabajo comercial utilizaba cámaras de placas y formato medio en esta época Arbus optó por una Nikon de 35mm. Aquí podemos ver algunas de esas fotos.

Comienza buscando gente en la calle que intenta fotografiar de forma aislada, incluso haciendo grandes recortes para eliminar del encuadre todo lo que sobra. A medida que se acerca a los años 60 empieza a centrarse en personas de aspecto poco común y se da cuenta de que es necesario contar con su colaboración para conseguir lo que ella quiere. Es también en los 60 cuando incorpora el flash.

Otros referentes importantes para entender su obra son:

Weegee: «El ojo público».

En Weegee encontramos el mismo interés por personas en los márgenes de la sociedad, de aspecto a veces grotesco.

Mientras que Lisette cierra el encuadre en los protagonistas Weegee amplía el campo de visión. Los lugares donde ocurre la acción y las reacciones de las personas alrededor del suceso son de gran importancia.

Fue el primero en encontrar belleza en lo que el flash revelaba. Era un recurso técnico, ya que las fotos son nocturnas y el uso de la cámara de placas, una Speed Graphic, le obligaba a usar diafragmas muy cerrados. Pero el uso de la iluminación no se queda ahí. Es la luz que transforma un evento en noticia. Congela el instante, enfatiza las muecas, destaca las manos que señalan contra fondos oscuros. El flash permite descubrir cosas que el ojo no ve, cosas que el sujeto quiere ocultar. La oscuridad deja de ser refugio. Al crear atmósferas artificiales le da a la escena una emotividad que no tendría de otra forma.

Tenía una visión humanista muy sensacionalista. Exagerando lo negativo y lo anecdótico, añadiendo muchas veces frases cómicas a modo de pie de foto. Creaba caricaturas.

Se aprecia un acercamiento a las personas fotografiadas. En alguno de los retratos de criminales detenidos incluso hay sonrisas. Otros conscientes de que estarán en los periódicos se esconden. Existe un intercambio entre fotógrafo y fotografiado pero no de igual a igual ya que muchos rechazarían ser fotografiados si tuviesen elección.

Tanto Weegee como Diane Arbus entienden que la relación con el sujeto ha de ser íntima pero que al mismo tiempo hay que mantener cierta distancia y no dejarse afectar por las historias personales de los retratados.

Walker Evans: «Un estilo ducumental».

La serie que Walker Evans realizó en el metro de Nueva York entre 1938 y 1941 incluye alguno de los retratos más puros que se hayan hecho jamás. Esto se debe al uso de una cámara escondida en la ropa que disparaba con las manos en los bolsillos gracias a un cable disparador oculto. Los sujetos están completamente absortos en sus pensamientos y aparecen fotografiados exactamente como el resto de pasajeros del tren los percibe.

Mientras que Stieglitz veía al fotógrafo como un artista cuya presencia debía estar por encima de la del sujeto, utilizándolo como vehículo para contar lo que lleva dentro, W. E. realiza esta serie con opuestas intenciones, buscando que toda la atención se centre en el sujeto influenciándolo lo menos posible.

Para Diane Arbus la documentación no podía separarse del encuentro personal. Conocer al sujeto era fundamental para poder entender lo que este representa y poder reflejarlo. Walker Evans no creía que mediante un retrato pudieses captar la totalidad de la personalidad sino que mas bien accedes a la superficie. Utilizaba el retrato para hablar de cosas más amplias que el individuo. Arbus creía lo contrario, construyendo una intimidad con el sujeto podías acceder a capas más profundas. Ambos consiguieron retratos muy emotivos, en ocasiones al mismo nivel de intensidad emocional, partiendo de aproximaciones muy diferentes al acto fotográfico y con ideales e intenciones casi opuestos.

Un buen ejemplo de lo que Evans quería decir es el llamado Efecto Kuleshov.

Lev Kuleshov era un cineasta ruso que en 1922 proyecto el vídeo de un rosto con gesto neutro precedido de otras imágenes. Siempre utilizaba el mismo vídeo para el retrato pero las escenas previas describían cosas muy diferentes. Encuestando a los espectadores sobre qué emociones veían reflejadas en el gesto del actor estos siempre respondían hambre, tristeza o lujuria en función de la escena previa. La conclusión del experimento es que los espectadores proyectan sus propias emociones en el retrato y el contexto en el que se muestra ese retrato sugestiona al espectador para producir dichas emociones.

En los retratos de Arbus el escenario es tan importante como el sujeto, cada objeto de la habitación añade contexto que enfatiza la personalidad del retratado. El aspecto poco común de los retratados sumado al escenario (contexto) en el que aparecen produce una respuesta emocional en nosotros como espectador, que proyectamos en las fotos que vemos.

August Sander: «el entomólogo».

John Szarkowski le mostró el trabajo de August Sander. El retratista alemán por excelencia.

Sander hijo de un carpintero, aprendió las nociones básicas de manejo de cámara del fotógrafo de la mina en la que trabajaba. Continuó su aprendizaje como ayudante durante el servicio militar y posteriormente trabajaría en un estudio.

Su objetivo era catalogar la sociedad alemana del siglo XX de la forma más clara, precisa e imparcial posible. Utilizaba encuadres muy similares para casi todos los sujetos y poseía una mirada frontal donde el retratado siembre confronta la cámara que muchos otros fotógrafos adoptarían posteriormente, Arbus incluida. La vestimenta y el escenario son muy importantes. Cada elemento, escrupulosamente ordenado, aporta información sobre el sujeto.

Para conseguir imparcialidad Sander dejaba las emociones fuera de la foto. En muy pocas ocasiones quien posaba sonreía o mostraba sentimentalismo. Las propias opiniones del autor no están presentes en la obra tratando de la misma manera campesinos, aristócratas o políticos. Tenía varios álbumes en los que clasificaba sus retratos por profesiones, afiliaciones o procedencia, creando una tipología de la sociedad de la época.

Observando su trabajo uno puede visualizar lo específico en referencia a lo típico, lo particular dentro de un grupo más grande. Aquí encontramos una gran diferencia con Arbus, quién no pretendía construir una tipología. Mientras que el primero pretendía llevar a todas las personas «normales» a una matriz «democratizadora», igualándolas, para que el espectador pudiese buscar las pequeñas diferencias entre ellos, la segunda buscaba las variaciones dentro de ese grupo más grande y las presentaba, a veces exagerando sus atributos (mitificandolos), otras veces normalizándoles.

Brassai: «lo que la noche oculta»

En referencia a Brassai Arbus dijo:

Me enseñó cosas terroríficas sobre la oscuridad. La oscuridad puede ser tan amenazante como la claridad, de lo cual no me di cuenta durante mucho tiempo porque estaba más cercana a la claridad.

Mas tarde quedé impactada por cuanto me gusta lo que no se puede ver en una fotografía, una oscuridad física.

Brassai nació en Hungría pero pasó en Francia la mayor parte de su vida. Su gran proyecto consistió en fotografiar París en la oscuridad. París nocturno se convirtió en un libro fundamental en la historia de la fotografía. Es una visión muy amplia de lo que sucede en una gran ciudad cuando oscurece. A paisajes urbanos vacíos añade fotografías de gente que trabaja en el  mantenimiento de las calles, amantes en busca de romanticismo, locales de diversión y lo más interesante para Diane Arbus, el París secreto.  Prostitución, locales de ambiente homosexual, etc.

Había conseguido ser aceptado por personas que habitualmente se ocultaban y había colocado una cámara en donde la discreción era importantísima.

 

 

En la segunda parte de este artículo hablaremos del trabajo de Arbus en la década de los 60 donde conseguiría las fotografías por las que hoy es recordada.

* La wikipwedia hace referencia a otras fechas en la biografía de LIsette Model. Aquí he optado por poner las fechas que aparecen en el catálogo de su exposición en la fundación Mapfre.

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